Sir Gregory Doran, regizor: ”(…) și asta m-a făcut să mă trezesc la realitate și să-mi spun: „Românii sunt interesanți”
Foto: Albert Dobrin, Cosmin Kleiner
Sir Gregory Doran, una dintre figurile definitorii ale teatrului shakespearian contemporan și fost director artistic al Royal Shakespeare Company, a fost prezent la Craiova, în cadrul Festivalului Internațional Shakespeare, cu „Venus & Adonis de William Shakespeare”, un spectacol care transformă poezia lui Shakespeare într-o experiență scenică de o delicatețe rară. Regizorul britanic, cunoscut pentru montările sale de referință dedicate operei shakespeariene și pentru felul în care a apropiat textele clasice de sensibilitatea contemporană, a expus în România o întâlnire intimă între cuvânt, muzică și arta animației.
Prezența sa la Craiova a căpătat anul acesta o însemnătate aparte: în cadrul Galei de închidere din 31 mai, Sir Gregory Doran a primit Premiul Internațional Shakespeare, cea mai înaltă distincție acordată de Festivalul Internațional Shakespeare Craiova. Distincția recompensează personalități de excepție care, prin întreaga lor muncă artistică și contribuția adusă teatrului, au redefinit, la nivel mondial, felul în care opera lui Shakespeare este citită, montată și transmisă mai departe noilor generații.
Pentru Gregory Doran, Shakespeare nu înseamnă doar patrimoniu cultural, ci un limbaj viu, capabil să genereze mereu noi forme de dialog artistic. De-a lungul unei cariere construite în interiorul Royal Shakespeare Company, unde a activat timp de peste trei decenii ca actor, regizor și ulterior director artistic, Doran a montat aproape integral canonul shakespearian și a semnat spectacole devenite deja repere pentru teatrul britanic contemporan. Criticii îl descriu drept „one of the great Shakespeareans of his generation”, iar montările sale – de la „Hamlet” cu David Tennant și Patrick Stewart până la producțiile realizate împreună cu Antony Sher – au redefinit felul în care publicul contemporan se întâlnește cu Shakespeare.
Regizorul britanic ne-a acordat un interviu în exclusivitate, în care vorbește despre felul în care a reinterpretat opera lui Shakespeare de-a lungul carierei sale, dar și despre însemnătatea premiului primit în România.
Ce înseamnă pentru dumneavoastră primirea Premiului Internațional Shakespeare la Craiova, având în vedere că acesta recunoaște contribuțiile remarcabile la reinterpretarea operei lui Shakespeare pentru publicul contemporan?
Este o mare onoare și o mare surpriză. Am auzit, desigur, de festival încă din… cred că din 1994. Și mulți dintre marii regizori pe care îi admir au lucrat aici, de la Peter Brook până la Declan Donnellan, în special.
Dar și pentru că România a fost în conștiința mea, aș spune, încă din 1989. Și îmi amintesc exact momentul în care am văzut imaginile cu Nicolae Ceaușescu pe balconul din București, salutând mulțimea și realizând brusc că aceasta îl huiduia. Iar el a spus că reformele pe care le cereau protestatarii nu vor veni niciodată în România până când nu vor crește pere în plopi.
Iar în dimineața următoare, studenții atârnaseră pere peste tot în plopii din București. Și mi s-a părut o imagine uimitoare, o imagine shakespeariană de o putere extraordinară. Și asta m-a făcut să mă trezesc la realitate și să-mi spun: „Românii sunt interesanți”.
Și m-am gândit că Shakespeare ar fi spus, întrucât Ceaușescu, evident, nu citise „Macbeth”: „Nu te teme până când Burnham nu va ajunge la Dunsinane”. Iar perele de pe plopi îi anunțau plecarea. Apoi, când am descoperit că Ion Caramitru jucase un rol decisiv în acea manifestație și că era un mare actor, un mare actor în piesa „Hamlet”, și cred că și pentru că Ion Caramitru era un mare prieten al actorului englez Michael Pennington cu care am avut onoarea de a lucra în mai multe rânduri, iar el a fost primul narator în Venus și Adonis în 2004. Iar dragostea lui Michael pentru această țară a fost, de asemenea, o sursă de inspirație. Așadar, au existat multe motive pentru care mi s-a părut inevitabil ca, la un moment dat, să vin în România. Așadar, este o bucurie pentru mine că, după foarte mult timp, am reușit în sfârșit să ajung aici.
Ați dedicat mai mult de trei decenii Royal Shakespeare Company, regizând aproape întreaga operă a lui Shakespeare. Cum a evoluat relația dumneavoastră cu Shakespeare de la începutul carierei până în prezent?
Shakespeare a fost un pașaport prin viața mea, așa aș spune, pentru că, la început, am fost inspirat de poveștile cu vrăjitoare, fantome, zâne, furtuni pe mare și naufragii. Toate poveștile m-au captivat de la început. Și apoi, cred că pentru că am început să joc în piese la școală, m-a captivat cât de bine cunoștea natura umană.
Și am interpretat câteva roluri feminine la școală, pentru că era o școală doar pentru băieți. Și eu, ca tânăr, ca tânăr gay, care încerca să-și accepte sexualitatea, îmi amintesc că am interpretat-o pe Lady Macbeth, iar replica „Dezbrăcați-mă de feminitate aici” mi-a dat o mare putere. Îmi amintesc că obișnuiam să ies la plimbare cu câinele și să strig replicile alea pe câmp, către vaci.
Și îl simțeam. Așa că i-a dat acelui băiat de 15 ani un sentiment real de putere, iar limbajul în sine era plin de putere. Și cred că, într-un fel, din punct de vedere politic, am devenit atunci conștient de modul în care el părea să înțeleagă fiecare situație politică.
Și apoi, mai recent, mi-am dat seama că el știa și despre durere, pe care am trăit-o acum patru ani, când a murit soțul meu. Și că, într-un fel, el a fost un pașaport prin viața mea, dar a și mers alături de mine prin viața mea. Și am fost foarte norocos să am acel privilegiu și acea oportunitate.
Și să lucrez cu o companie extraordinară precum Royal Shakespeare Company, dar și cu actori minunați și mari entuziaști ai lui Shakespeare. Asta e partea minunată. Sunt un tip foarte norocos.
„Venus & Adonis” se remarcă prin combinația dintre text, muzică live și teatru de păpuși inspirat de tradiția japoneză Bunraku. Ce v-a atras la această formă teatrală și de ce ați simțit că este abordarea cea mai potrivită pentru poezia lui Shakespeare?
Cunoșteam poezia, dar nu-mi puteam imagina cum ar fi putut fi pusă în scenă. Pentru că, în afară de Venus și Adonis, desigur, care formau un cuplu minunat, mai sunt și caii, mistrețul, moartea și un iepure de câmp. Și m-am gândit: „Ei bine, cum se poate face asta?”
Apoi am fost în turneu cu „Macbeth” în Japonia. Am mers la Osaka să văd trupa de păpuși Bunraku. Și acolo era o sală de spectacol la fel de mare ca Royal Shakespeare Theatre, plină nu cu copii, ci cu adulți.
Cu păpușarii în mijloc, cu un cântăreț la shamisen pe o parte, cu naratorul care citea toate rolurile pe cealaltă parte. Și mi-am dat seama brusc că asta e modalitatea de a pune în scenă Venus și Adonis, pentru că poți folosi păpuși ca să interpreteze caii, mistrețul și iepurele. Iar păpușile pot face lucruri pe care oamenii nu le pot face.
Adică, sunt momente în producție care devin destul de fierbinți, devin destul de erotice. Și râdeam la repetiții că ar trebui să avem cu adevărat un coordonator de intimitate. Dar, oricum, păpușile nu aveau nevoie de unul, așa că a fost în regulă.
Da, asta m-a făcut să mă gândesc: „Stai puțin, am putea face asta”. Știam că aveam nevoie de maeștri păpușari, de oameni care să fie adevărați artizani pentru a putea realiza asta. Iar Little Angel Theatre Company era cea mai importantă companie de păpuși, aș spune chiar leagănul păpușăriei britanice.
Se întâmpla să fie la câțiva pași de ușa mea. M-am dus să-i văd și le-am spus: „Ce-ați zice să colaborați cu Royal Shakespeare Company la un poem de Shakespeare?” Cred că, la început, au crezut că sunt nebun.
Dar, în cele din urmă, ne-am distrat de minune făcând asta, pentru că eram pur și simplu uimit de măiestria lor în mânuirea păpușilor. Iar eu mă trezeam că eram un fel de actor zgomotos, un regizor zgomotos. Ei înțelegeau asta și vorbeau pe tonul păpușilor.
Șopteau între ei și apoi făceau ceva cu adevărat genial. Așa că mi-a plăcut la nebunie întreaga experiență. Și păpușile nu-ți răspund.
Criticii britanici au descris producția ca fiind „ingenioasă, plină de spirit și erotică”. Cum ați găsit echilibrul între lirismul delicat al poeziei și dimensiunile emoționale și senzuale ale poveștii?
Ei bine, am descoperit asta printr-un proces de explorare, prin care am constatat că păpușile aveau această capacitate. Am continuat să constat că nu trebuia să subestimez ceea ce puteau face păpușile. Pentru că erau capabile să fie atât de expresive, subtile și pline de nuanțe.
Și mi s-a părut incredibil cât de expresive pot fi. Îmi amintesc că, în timpul spectacolului, la prima reprezentație, o femeie a venit la mine și mi-a spus: „Nu-mi dau seama când schimbi păpușa Venus din păpușa Venus comică în păpușa Venus tragică”. Iar eu i-am răspuns: „Păi, asta pentru că există o singură păpușă”.
Și tu îi citești expresia feței, senzualitatea ei capricioasă din prima jumătate. Și apoi simțul ei al tragediei în a doua jumătate. Și este ca o interpretare bună într-un film.
De fapt, citești pe fața păpușii cât de expresive sunt. Unul dintre lucrurile pe care le-am înțeles, pe care nu le anticipasem, a fost faptul că păpușile sunt, să zicem, de jumătate din mărimea unui om. Dar ochii lor sunt de mărimea unor ochi umani.
Așa că ochii au aceeași pupilă ca ochii tăi. Și, prin urmare, ele comunică într-un spațiu mult mai mare decât mi-aș fi imaginat că ar funcționa piesa. Pentru că sunt sculptate atât de frumos, dintr-o tradiție a păpușarilor care, în cazul piesei „The Little Angel”, datează, cred, de 50 de ani, de când fac aceste lucruri.
Au învățat cum să facă păpușile cât mai expresive posibil. Așa că a fost o bucurie să împărtășesc și să colaborez cu o artă despre care nu știam practic nimic.
De-a lungul carierei dumneavoastră, ați demonstrat în mod constant că Shakespeare rămâne relevant pentru publicul contemporan. Care credeți că este cheia rezonanței persistente a operelor sale pentru noile generații?
Din punctul meu de vedere, în ceea ce privește regia pieselor, adică nu doar citirea lor, ci și reacția la ele și găsirea unor modalități de a le prezenta, experiența mea este să nu pornești de la un concept prestabilit pe care să-l aplici apoi piesei. Trebuie să ai încredere în piesă. Îmi amintesc că am procedat așa cu „Regele Ioan”.
Intru în sala de repetiții gândindu-mă: „Ei bine, eu chiar nu… Adică, știu câte ceva despre domnia regelui Ioan. Cred că Shakespeare probabil nu știa prea multe despre asta.”
Și am intrat gândindu-mă: „Ei bine, nu știu dacă piesa este o comedie sau o tragedie sau ce este.” Cred că este pur și simplu ceea ce este. Și m-am gândit: „Ei bine, ce voi face este să o punem în scenă așa cum este.”
Vom avea o scenă goală și vom descoperi ce este pe măsură ce o jucăm. Și va fi fie tragedie, fie comedie, fie orice altceva se va dovedi a fi.” Și a fost o adevărată surpriză, pentru că începe ca o piesă satirică foarte amuzantă și se transformă în momentul în care moare un copil.
Și asta a fost interesant, pentru că există atâtea momente de criză în întreaga lume în care, la fel ca în cazul copilului din Vietnam, din fotografiile de la My Lai, ale acelui copil gol care tocmai fusese aruncat cu napalm, cu carnea arzându-i de pe piele, în timp ce fugea pe șosea. Acea fotografie a făcut înconjurul lumii și toată lumea s-a gândit: „Ei bine, asta va pune capăt războiului din Vietnam”. Și, desigur, nu a fost așa.
Dar în momentul în care o criză afectează copiii, toți ne gândim: „Acum trebuie să se oprească răul”. Și nu se oprește, dar ne așteptăm să se oprească. Iar în „Regele Ioan”, un copil moare căzând.
El fuge din ghearele unchiului său rău, regele. Și cade de pe un turn înalt. Se întâmplă că jucam piesa aceea pe 11 septembrie 2001.
Și, în timp ce jucam piesa, turnurile gemene se prăbușeau. Iar oamenii săreau de pe turnurile înalte exact așa cum copilul sărea de pe turnul înalt din piesă. Iar actorii din culise urmăreau desfășurarea evenimentelor pe un ecran de televiziune și nu știau dacă să continue piesa.
Dar au decis să o facă. Iar publicul, desigur, nu știa, pentru că în 2001 nu aveam telefoane mobile așa cum avem acum. Așa că nici măcar la pauză nu știau.
Iar actorii au decis să nu iasă să vorbească sau să anuleze spectacolul, ci să continue cu spectacolul. Și apoi personajul care este un fel de busolă morală pe tot parcursul piesei are această replică în care spune: „Acum o mare confuzie așteaptă lumea”. Și m-am gândit că exact asta simțeam cu toții.
Când al doilea avion s-a izbit de cel de-al doilea turn, ne-am gândit: „Asta nu e o întâmplare. Ceva se întâmplă cu lumea, iar lumea nu va mai fi niciodată la fel după asta”. Și faptul că Shakespeare a exprimat exact asta în acel moment – deși nu avea de unde să știe acum 400 de ani că acea replică va avea o asemenea rezonanță – nu am mai trăit niciodată un moment în care Shakespeare să se fi adresat atât de direct momentului respectiv.
Și dacă aș fi decis că piesa este în întregime o comedie și am fi jucat-o în acest fel, atunci nu am fi recunoscut niciodată asta. Așadar, pentru mine este important să las piesa să vorbească. Asta nu înseamnă să nu decizi despre ce este vorba în piesă, dar să nu o faci.
Așa că da, aveți încredere în Shakespeare. Și în acest caz, am avut suficientă încredere în el încât să nu decid. Unii oameni spun: „Trebuie să facem ceva cu piesa asta, așa că o vom înviora și o vom scurta, iar atunci va funcționa”.
Eu am încredere că, după 400 de ani, piesa va funcționa în esență. Va funcționa producția mea? Asta depinde de mine.
Dar nu pentru că trebuie să fac piesa să funcționeze într-un fel sau altul. Ci pentru că fie nu voi avea imaginația necesară, fie voi avea imaginația necesară pentru a fi la înălțimea ei. Asta este, oricum, experiența mea în acest sens.
De-a lungul anilor, ați colaborat cu actori emblematici precum David Tennant și Patrick Stewart. Ce v-au învățat aceste întâlniri artistice despre puterea teatrului și a interpretării?
Sunt atâtea exemple, într-adevăr. Actorii mari aduc, într-un fel, o altă dimensiune a înțelegerii. Patrick Stewart, când l-a interpretat pe Marc Antoniu în „Antoniu și Cleopatra”, alături de Harriet Walter. La începutul carierei sale, el a făcut parte din Royal Shakespeare Company timp de mulți ani. Apoi a plecat în galaxii cu „Star Trek” și s-a întors la RSC. Iar ceea ce a înțeles el despre Antoniu a fost că acesta nu mai era capabil să se ridice la înălțimea reputației sale. Era ca și cum nu mai era… Nu mai arăta ca în fotografiile din presă.
Și era conștient că asta se pierdea. Și asta a adus Patrick rolului și a dezvăluit rolul.
Olivier spusese că Marc Antoniu din „Antony and Cleopatra” este un prost și ura să-l interpreteze. Ce a înțeles Patrick Stewart a fost că da, este un prost. Este vulnerabil și prost și vanitos și nu mai poate fi la înălțimea reputației sale.
Și asta a făcut ca totul să funcționeze. Așadar, există un fel de umilință, într-un fel, o lipsă de vanitate, care, în acel moment particular, a revelat piesa într-un mod complet diferit. Și asta este ceea ce consider că fac marii actori.
Antony Sher făcea asta tot timpul. Când îl interpreta pe Iago în „Othello”, pericolul cu Othello este că ai senzația că totul e inevitabil, că complotul lui Iago va avea câștig de cauză. Iar Othello pare uneori pur și simplu naiv pentru că nu-și dă seama că e păcălit.
Iar ceea ce făcea Tony Sher era să-l interpreteze pe Iago ca pe un improvizator care se balanța cu adevărat pe frânghia lui. Așadar, în orice moment ar fi putut cădea de pe frânghie. Și îmi amintesc un moment anume în care Tony transpira foarte mult la repetiții, iar ei repetau Actul 3, Scena 3, marea confruntare dintre Othello și Iago.
Și era ca și cum s-ar fi luat la bătaie. Era ca o scenă cu adevărat puternică… Adică, era ca un uragan și un incendiu de pădure.
Erau uimitori pe scenă. Dar părea că Othello urma să câștige lupta. Și Tony, la un moment dat, fiind aproape învins, își scoate brusc batista și își șterge fața.
Apoi pune batista deoparte și spune: „Ai văzut vreodată o batistă cu pete de căpșuni în mâna soției tale?” Și doar pentru că o scosese din buzunar și își ștersese fața, asta îi dăduse momentul. Shakespeare spune: „Lucrul mărunt, ușor ca aerul, care confirmă gelozia, este dovada adevărului sfânt”.
Acest lucru i-a dat ideea care i-a declanșat abilitatea de a-l convinge pe Othello că Desdemona îl înșela. A fost un moment de geniu care a înțeles pe deplin opera lui Shakespeare.
În Macbeth, a avut un moment în care a jucat cu această idee.
Tocmai aflăm că Lady Macbeth a murit. Macbeth se află în refugiul lui, încercând să se apere de sosirea forțelor engleze. Iar când primește vestea morții soției sale, rostește acel discurs extraordinar: „Tomorrow, and tomorrow, and tomorrow”.
Și imaginea acelui biet actor care se dă mare și se agită pe scenă. Și am discutat despre… Iar Tony m-a întrebat: „De ce ar vrea Shakespeare să reamintească publicului că acesta este un actor, poate nici măcar unul foarte bun, care se dă mare și se agită?”
Mai ales exact în momentul în care unul dintre personajele principale a părăsit scena, iar eu, cum spunea el, mai am de dus tot Actul V. Și atunci și-a dat seama că e ca și cum Shakespeare îți reînnoiește contractul cu publicul. Pentru mine, asta a fost fascinant.
Într-o repetiție, Tony a făcut ceva neașteptat: pur și simplu a ieșit din scenă, a părăsit repetiția. Actorul care juca solul cu „obraz de smântână” a intrat în scenă să aducă vestea că Birnam Wood se apropie de Dunsinane. Repetiția a înghețat. Toată lumea din sală s-a uitat la mine, ca și cum ar fi întrebat: „Tony e bine? Ce s-a întâmplat?”
Apoi, brusc, Tony s-a întors în sală și a continuat spectacolul. Dar gestul lui a făcut exact ceea ce face imaginea lui Shakespeare.
Te obliga să te gândești: Macbeth e, până la urmă, un actor care se agită și se frământă pe scenă. Și, într-un fel, tocmai asta te reconecta la piesă. Te purta mai departe, prin restul spectacolului, prin Actul V. Mi s-a părut absolut genial.
Asta fac marii actori. Sunt pur-sânge. Nu fac niciodată ceea ce te aștepți să facă.
În ultimele decenii, Festivalul Internațional Shakespeare Craiova a devenit unul dintre cele mai importante evenimente din Europa dedicate lui Shakespeare. Cum vedeți rolul unor astfel de festivaluri în promovarea dialogului cultural internațional?
Ele ne ajută să rămânem în dialog unii cu alții. Asta nu poate fi decât un lucru bun. Și ne mențin curiozitatea unii față de alții.
Iar acest dialog este esențial, pentru că, știți, există atâta diviziune în lume și atât de mulți oameni depun atâta efort pentru a alimenta această diviziune, încât sunt momente în care chiar ne facem griji. Iar Shakespeare, într-un fel… Deci, Regele s-a dus recent la Casa Albă pentru a-l întâlni pe Trump
L-am onorat pentru că îl cunosc pe Rege de mulți ani, deoarece este președintele Royal Shakespeare Company. M-a întrebat dacă există un citat anume din Shakespeare care ar putea fi util în conversația cu America.
Și i-am indicat unul din Henric al IV-lea. Aceasta se referă la războiul cu Iranul și la Strâmtoarea Hormuz etc., precum și la potențialele negocieri de pace. Și în Henric al IV-lea, cineva spune că pacea are natura unei cuceriri în care fiecare parte este supusă cu noblețe și niciuna dintre părți nu este învinsă.
Așadar, ideea de a nu considera pacea ca o înfrângere, ci ca o cucerire în care ambele părți pot fi câștigătoare prin ajungerea la o concluzie pașnică mi s-a părut expresia perfectă a ceea ce domnul Trump ar putea învăța. Nu știu dacă Regele a folosit citatul.
Dacă ar fi să le oferiți un sfat tinerilor regizori și actori care abia acum descoperă opera lui Shakespeare, care crezi că este cel mai important lucru pe care ar trebui să-l înțeleagă despre lumea lui?
Cred că tocmai asta: cât de apropiată este de lumea noastră. Și cred că există două evenimente concrete care, din câte știu, au influențat modul în care a scris, având în vedere contextul politic al epocii sale.
Unul dintre ele a fost complotul prafului de pușcă, în cadrul căruia un grup de teroriști catolici a plănuit să arunce în aer Palatul Parlamentului și pe toți lorzii, laici și clerici, precum și întreaga familie regală, cu ocazia deschiderii oficiale a Parlamentului. Nu a funcționat. Complotul a eșuat.
Dacă ar fi funcționat, însă, cu siguranță Marea Britanie nu ar mai fi fost niciodată la fel. Și tocmai de aceea cred că Turnurile Gemene din World Trade Center au fost complotul prafului de pușcă al Americii. Dar celălalt lucru care cred că l-a influențat pe Shakespeare a fost ciuma.
Și când a trebuit să închidem teatrele din cauza Covidului, mi-am dat seama că și Shakespeare a trebuit să-și închidă teatrele din cauza ciumei. Și, într-adevăr, de aceea a scris „Venus și Adonis”, pentru că nu putea pune în scenă piese de teatru. Și cred că ciuma din 1603-1604 din Londra a ucis 15% din populație.
Și dacă vă puteți imagina asta, orașul Londra avea o suprafață de doar o milă pătrată. Așadar, pe acea suprafață de o milă pătrată, cu o populație densă, 15% dintre locuitori mureau. Impactul pe care îl are asupra percepției noastre despre viitor, despre vulnerabilitatea noastră, despre fragilitatea vieții umane, trebuie să fi influențat profund viziunea lui Shakespeare asupra lumii.
Și poate, poate l-a îndepărtat de comediile și de perioada optimistă a anilor 1590, aruncându-l în abisul tragediilor de la începutul anilor 1600. Și nu reușește să iasă din această stare decât în piesele târzii din 1510, cam în acea perioadă. Și cred că… întotdeauna am presupus că complotul prafului de pușcă a fost cel care a întunecat piesele, dar cred că și ciuma a contribuit la întunecarea lor.
Și cred că și sentimentul că viața este scurtă. Și cred că, recunoscând modul în care lumea lui Shakespeare coincide cu lumea noastră din acele momente de criză politică sau activitate teroristă sau chiar pandemii, atunci cred că înțelegi că Shakespeare scria la fel cum scriitorii de astăzi se străduiesc să articuleze sau să înțeleagă și să conștientizeze aceleași probleme, presupun.
Foto: Albert Dobrin, Cosmin Kleiner
Sir Gregory Doran, una dintre figurile definitorii ale teatrului shakespearian contemporan și fost director artistic al Royal Shakespeare Company, a fost prezent la Craiova, în cadrul Festivalului Internațional Shakespeare, cu „Venus & Adonis de William Shakespeare”, un spectacol care transformă poezia lui Shakespeare într-o experiență scenică de o delicatețe rară. Regizorul britanic, cunoscut pentru montările sale de referință dedicate operei shakespeariene și pentru felul în care a apropiat textele clasice de sensibilitatea contemporană, a expus în România o întâlnire intimă între cuvânt, muzică și arta animației.
Prezența sa la Craiova a căpătat anul acesta o însemnătate aparte: în cadrul Galei de închidere din 31 mai, Sir Gregory Doran a primit Premiul Internațional Shakespeare, cea mai înaltă distincție acordată de Festivalul Internațional Shakespeare Craiova. Distincția recompensează personalități de excepție care, prin întreaga lor muncă artistică și contribuția adusă teatrului, au redefinit, la nivel mondial, felul în care opera lui Shakespeare este citită, montată și transmisă mai departe noilor generații.
Pentru Gregory Doran, Shakespeare nu înseamnă doar patrimoniu cultural, ci un limbaj viu, capabil să genereze mereu noi forme de dialog artistic. De-a lungul unei cariere construite în interiorul Royal Shakespeare Company, unde a activat timp de peste trei decenii ca actor, regizor și ulterior director artistic, Doran a montat aproape integral canonul shakespearian și a semnat spectacole devenite deja repere pentru teatrul britanic contemporan. Criticii îl descriu drept „one of the great Shakespeareans of his generation”, iar montările sale – de la „Hamlet” cu David Tennant și Patrick Stewart până la producțiile realizate împreună cu Antony Sher – au redefinit felul în care publicul contemporan se întâlnește cu Shakespeare.
Regizorul britanic ne-a acordat un interviu în exclusivitate, în care vorbește despre felul în care a reinterpretat opera lui Shakespeare de-a lungul carierei sale, dar și despre însemnătatea premiului primit în România.
Ce înseamnă pentru dumneavoastră primirea Premiului Internațional Shakespeare la Craiova, având în vedere că acesta recunoaște contribuțiile remarcabile la reinterpretarea operei lui Shakespeare pentru publicul contemporan?
Este o mare onoare și o mare surpriză. Am auzit, desigur, de festival încă din… cred că din 1994. Și mulți dintre marii regizori pe care îi admir au lucrat aici, de la Peter Brook până la Declan Donnellan, în special.
Dar și pentru că România a fost în conștiința mea, aș spune, încă din 1989. Și îmi amintesc exact momentul în care am văzut imaginile cu Nicolae Ceaușescu pe balconul din București, salutând mulțimea și realizând brusc că aceasta îl huiduia. Iar el a spus că reformele pe care le cereau protestatarii nu vor veni niciodată în România până când nu vor crește pere în plopi.
Iar în dimineața următoare, studenții atârnaseră pere peste tot în plopii din București. Și mi s-a părut o imagine uimitoare, o imagine shakespeariană de o putere extraordinară. Și asta m-a făcut să mă trezesc la realitate și să-mi spun: „Românii sunt interesanți”.
Și m-am gândit că Shakespeare ar fi spus, întrucât Ceaușescu, evident, nu citise „Macbeth”: „Nu te teme până când Burnham nu va ajunge la Dunsinane”. Iar perele de pe plopi îi anunțau plecarea. Apoi, când am descoperit că Ion Caramitru jucase un rol decisiv în acea manifestație și că era un mare actor, un mare actor în piesa „Hamlet”, și cred că și pentru că Ion Caramitru era un mare prieten al actorului englez Michael Pennington cu care am avut onoarea de a lucra în mai multe rânduri, iar el a fost primul narator în Venus și Adonis în 2004. Iar dragostea lui Michael pentru această țară a fost, de asemenea, o sursă de inspirație. Așadar, au existat multe motive pentru care mi s-a părut inevitabil ca, la un moment dat, să vin în România. Așadar, este o bucurie pentru mine că, după foarte mult timp, am reușit în sfârșit să ajung aici.
Ați dedicat mai mult de trei decenii Royal Shakespeare Company, regizând aproape întreaga operă a lui Shakespeare. Cum a evoluat relația dumneavoastră cu Shakespeare de la începutul carierei până în prezent?
Shakespeare a fost un pașaport prin viața mea, așa aș spune, pentru că, la început, am fost inspirat de poveștile cu vrăjitoare, fantome, zâne, furtuni pe mare și naufragii. Toate poveștile m-au captivat de la început. Și apoi, cred că pentru că am început să joc în piese la școală, m-a captivat cât de bine cunoștea natura umană.
Și am interpretat câteva roluri feminine la școală, pentru că era o școală doar pentru băieți. Și eu, ca tânăr, ca tânăr gay, care încerca să-și accepte sexualitatea, îmi amintesc că am interpretat-o pe Lady Macbeth, iar replica „Dezbrăcați-mă de feminitate aici” mi-a dat o mare putere. Îmi amintesc că obișnuiam să ies la plimbare cu câinele și să strig replicile alea pe câmp, către vaci.
Și îl simțeam. Așa că i-a dat acelui băiat de 15 ani un sentiment real de putere, iar limbajul în sine era plin de putere. Și cred că, într-un fel, din punct de vedere politic, am devenit atunci conștient de modul în care el părea să înțeleagă fiecare situație politică.
Și apoi, mai recent, mi-am dat seama că el știa și despre durere, pe care am trăit-o acum patru ani, când a murit soțul meu. Și că, într-un fel, el a fost un pașaport prin viața mea, dar a și mers alături de mine prin viața mea. Și am fost foarte norocos să am acel privilegiu și acea oportunitate.
Și să lucrez cu o companie extraordinară precum Royal Shakespeare Company, dar și cu actori minunați și mari entuziaști ai lui Shakespeare. Asta e partea minunată. Sunt un tip foarte norocos.
„Venus & Adonis” se remarcă prin combinația dintre text, muzică live și teatru de păpuși inspirat de tradiția japoneză Bunraku. Ce v-a atras la această formă teatrală și de ce ați simțit că este abordarea cea mai potrivită pentru poezia lui Shakespeare?
Cunoșteam poezia, dar nu-mi puteam imagina cum ar fi putut fi pusă în scenă. Pentru că, în afară de Venus și Adonis, desigur, care formau un cuplu minunat, mai sunt și caii, mistrețul, moartea și un iepure de câmp. Și m-am gândit: „Ei bine, cum se poate face asta?”
Apoi am fost în turneu cu „Macbeth” în Japonia. Am mers la Osaka să văd trupa de păpuși Bunraku. Și acolo era o sală de spectacol la fel de mare ca Royal Shakespeare Theatre, plină nu cu copii, ci cu adulți.
Cu păpușarii în mijloc, cu un cântăreț la shamisen pe o parte, cu naratorul care citea toate rolurile pe cealaltă parte. Și mi-am dat seama brusc că asta e modalitatea de a pune în scenă Venus și Adonis, pentru că poți folosi păpuși ca să interpreteze caii, mistrețul și iepurele. Iar păpușile pot face lucruri pe care oamenii nu le pot face.
Adică, sunt momente în producție care devin destul de fierbinți, devin destul de erotice. Și râdeam la repetiții că ar trebui să avem cu adevărat un coordonator de intimitate. Dar, oricum, păpușile nu aveau nevoie de unul, așa că a fost în regulă.
Da, asta m-a făcut să mă gândesc: „Stai puțin, am putea face asta”. Știam că aveam nevoie de maeștri păpușari, de oameni care să fie adevărați artizani pentru a putea realiza asta. Iar Little Angel Theatre Company era cea mai importantă companie de păpuși, aș spune chiar leagănul păpușăriei britanice.
Se întâmpla să fie la câțiva pași de ușa mea. M-am dus să-i văd și le-am spus: „Ce-ați zice să colaborați cu Royal Shakespeare Company la un poem de Shakespeare?” Cred că, la început, au crezut că sunt nebun.
Dar, în cele din urmă, ne-am distrat de minune făcând asta, pentru că eram pur și simplu uimit de măiestria lor în mânuirea păpușilor. Iar eu mă trezeam că eram un fel de actor zgomotos, un regizor zgomotos. Ei înțelegeau asta și vorbeau pe tonul păpușilor.
Șopteau între ei și apoi făceau ceva cu adevărat genial. Așa că mi-a plăcut la nebunie întreaga experiență. Și păpușile nu-ți răspund.
Criticii britanici au descris producția ca fiind „ingenioasă, plină de spirit și erotică”. Cum ați găsit echilibrul între lirismul delicat al poeziei și dimensiunile emoționale și senzuale ale poveștii?
Ei bine, am descoperit asta printr-un proces de explorare, prin care am constatat că păpușile aveau această capacitate. Am continuat să constat că nu trebuia să subestimez ceea ce puteau face păpușile. Pentru că erau capabile să fie atât de expresive, subtile și pline de nuanțe.
Și mi s-a părut incredibil cât de expresive pot fi. Îmi amintesc că, în timpul spectacolului, la prima reprezentație, o femeie a venit la mine și mi-a spus: „Nu-mi dau seama când schimbi păpușa Venus din păpușa Venus comică în păpușa Venus tragică”. Iar eu i-am răspuns: „Păi, asta pentru că există o singură păpușă”.
Și tu îi citești expresia feței, senzualitatea ei capricioasă din prima jumătate. Și apoi simțul ei al tragediei în a doua jumătate. Și este ca o interpretare bună într-un film.
De fapt, citești pe fața păpușii cât de expresive sunt. Unul dintre lucrurile pe care le-am înțeles, pe care nu le anticipasem, a fost faptul că păpușile sunt, să zicem, de jumătate din mărimea unui om. Dar ochii lor sunt de mărimea unor ochi umani.
Așa că ochii au aceeași pupilă ca ochii tăi. Și, prin urmare, ele comunică într-un spațiu mult mai mare decât mi-aș fi imaginat că ar funcționa piesa. Pentru că sunt sculptate atât de frumos, dintr-o tradiție a păpușarilor care, în cazul piesei „The Little Angel”, datează, cred, de 50 de ani, de când fac aceste lucruri.
Au învățat cum să facă păpușile cât mai expresive posibil. Așa că a fost o bucurie să împărtășesc și să colaborez cu o artă despre care nu știam practic nimic.
De-a lungul carierei dumneavoastră, ați demonstrat în mod constant că Shakespeare rămâne relevant pentru publicul contemporan. Care credeți că este cheia rezonanței persistente a operelor sale pentru noile generații?
Din punctul meu de vedere, în ceea ce privește regia pieselor, adică nu doar citirea lor, ci și reacția la ele și găsirea unor modalități de a le prezenta, experiența mea este să nu pornești de la un concept prestabilit pe care să-l aplici apoi piesei. Trebuie să ai încredere în piesă. Îmi amintesc că am procedat așa cu „Regele Ioan”.
Intru în sala de repetiții gândindu-mă: „Ei bine, eu chiar nu… Adică, știu câte ceva despre domnia regelui Ioan. Cred că Shakespeare probabil nu știa prea multe despre asta.”
Și am intrat gândindu-mă: „Ei bine, nu știu dacă piesa este o comedie sau o tragedie sau ce este.” Cred că este pur și simplu ceea ce este. Și m-am gândit: „Ei bine, ce voi face este să o punem în scenă așa cum este.”
Vom avea o scenă goală și vom descoperi ce este pe măsură ce o jucăm. Și va fi fie tragedie, fie comedie, fie orice altceva se va dovedi a fi.” Și a fost o adevărată surpriză, pentru că începe ca o piesă satirică foarte amuzantă și se transformă în momentul în care moare un copil.
Și asta a fost interesant, pentru că există atâtea momente de criză în întreaga lume în care, la fel ca în cazul copilului din Vietnam, din fotografiile de la My Lai, ale acelui copil gol care tocmai fusese aruncat cu napalm, cu carnea arzându-i de pe piele, în timp ce fugea pe șosea. Acea fotografie a făcut înconjurul lumii și toată lumea s-a gândit: „Ei bine, asta va pune capăt războiului din Vietnam”. Și, desigur, nu a fost așa.
Dar în momentul în care o criză afectează copiii, toți ne gândim: „Acum trebuie să se oprească răul”. Și nu se oprește, dar ne așteptăm să se oprească. Iar în „Regele Ioan”, un copil moare căzând.
El fuge din ghearele unchiului său rău, regele. Și cade de pe un turn înalt. Se întâmplă că jucam piesa aceea pe 11 septembrie 2001.
Și, în timp ce jucam piesa, turnurile gemene se prăbușeau. Iar oamenii săreau de pe turnurile înalte exact așa cum copilul sărea de pe turnul înalt din piesă. Iar actorii din culise urmăreau desfășurarea evenimentelor pe un ecran de televiziune și nu știau dacă să continue piesa.
Dar au decis să o facă. Iar publicul, desigur, nu știa, pentru că în 2001 nu aveam telefoane mobile așa cum avem acum. Așa că nici măcar la pauză nu știau.
Iar actorii au decis să nu iasă să vorbească sau să anuleze spectacolul, ci să continue cu spectacolul. Și apoi personajul care este un fel de busolă morală pe tot parcursul piesei are această replică în care spune: „Acum o mare confuzie așteaptă lumea”. Și m-am gândit că exact asta simțeam cu toții.
Când al doilea avion s-a izbit de cel de-al doilea turn, ne-am gândit: „Asta nu e o întâmplare. Ceva se întâmplă cu lumea, iar lumea nu va mai fi niciodată la fel după asta”. Și faptul că Shakespeare a exprimat exact asta în acel moment – deși nu avea de unde să știe acum 400 de ani că acea replică va avea o asemenea rezonanță – nu am mai trăit niciodată un moment în care Shakespeare să se fi adresat atât de direct momentului respectiv.
Și dacă aș fi decis că piesa este în întregime o comedie și am fi jucat-o în acest fel, atunci nu am fi recunoscut niciodată asta. Așadar, pentru mine este important să las piesa să vorbească. Asta nu înseamnă să nu decizi despre ce este vorba în piesă, dar să nu o faci.
Așa că da, aveți încredere în Shakespeare. Și în acest caz, am avut suficientă încredere în el încât să nu decid. Unii oameni spun: „Trebuie să facem ceva cu piesa asta, așa că o vom înviora și o vom scurta, iar atunci va funcționa”.
Eu am încredere că, după 400 de ani, piesa va funcționa în esență. Va funcționa producția mea? Asta depinde de mine.
Dar nu pentru că trebuie să fac piesa să funcționeze într-un fel sau altul. Ci pentru că fie nu voi avea imaginația necesară, fie voi avea imaginația necesară pentru a fi la înălțimea ei. Asta este, oricum, experiența mea în acest sens.
De-a lungul anilor, ați colaborat cu actori emblematici precum David Tennant și Patrick Stewart. Ce v-au învățat aceste întâlniri artistice despre puterea teatrului și a interpretării?
Sunt atâtea exemple, într-adevăr. Actorii mari aduc, într-un fel, o altă dimensiune a înțelegerii. Patrick Stewart, când l-a interpretat pe Marc Antoniu în „Antoniu și Cleopatra”, alături de Harriet Walter. La începutul carierei sale, el a făcut parte din Royal Shakespeare Company timp de mulți ani. Apoi a plecat în galaxii cu „Star Trek” și s-a întors la RSC. Iar ceea ce a înțeles el despre Antoniu a fost că acesta nu mai era capabil să se ridice la înălțimea reputației sale. Era ca și cum nu mai era… Nu mai arăta ca în fotografiile din presă.
Și era conștient că asta se pierdea. Și asta a adus Patrick rolului și a dezvăluit rolul.
Olivier spusese că Marc Antoniu din „Antony and Cleopatra” este un prost și ura să-l interpreteze. Ce a înțeles Patrick Stewart a fost că da, este un prost. Este vulnerabil și prost și vanitos și nu mai poate fi la înălțimea reputației sale.
Și asta a făcut ca totul să funcționeze. Așadar, există un fel de umilință, într-un fel, o lipsă de vanitate, care, în acel moment particular, a revelat piesa într-un mod complet diferit. Și asta este ceea ce consider că fac marii actori.
Antony Sher făcea asta tot timpul. Când îl interpreta pe Iago în „Othello”, pericolul cu Othello este că ai senzația că totul e inevitabil, că complotul lui Iago va avea câștig de cauză. Iar Othello pare uneori pur și simplu naiv pentru că nu-și dă seama că e păcălit.
Iar ceea ce făcea Tony Sher era să-l interpreteze pe Iago ca pe un improvizator care se balanța cu adevărat pe frânghia lui. Așadar, în orice moment ar fi putut cădea de pe frânghie. Și îmi amintesc un moment anume în care Tony transpira foarte mult la repetiții, iar ei repetau Actul 3, Scena 3, marea confruntare dintre Othello și Iago.
Și era ca și cum s-ar fi luat la bătaie. Era ca o scenă cu adevărat puternică… Adică, era ca un uragan și un incendiu de pădure.
Erau uimitori pe scenă. Dar părea că Othello urma să câștige lupta. Și Tony, la un moment dat, fiind aproape învins, își scoate brusc batista și își șterge fața.
Apoi pune batista deoparte și spune: „Ai văzut vreodată o batistă cu pete de căpșuni în mâna soției tale?” Și doar pentru că o scosese din buzunar și își ștersese fața, asta îi dăduse momentul. Shakespeare spune: „Lucrul mărunt, ușor ca aerul, care confirmă gelozia, este dovada adevărului sfânt”.
Acest lucru i-a dat ideea care i-a declanșat abilitatea de a-l convinge pe Othello că Desdemona îl înșela. A fost un moment de geniu care a înțeles pe deplin opera lui Shakespeare.
În Macbeth, a avut un moment în care a jucat cu această idee.
Tocmai aflăm că Lady Macbeth a murit. Macbeth se află în refugiul lui, încercând să se apere de sosirea forțelor engleze. Iar când primește vestea morții soției sale, rostește acel discurs extraordinar: „Tomorrow, and tomorrow, and tomorrow”.
Și imaginea acelui biet actor care se dă mare și se agită pe scenă. Și am discutat despre… Iar Tony m-a întrebat: „De ce ar vrea Shakespeare să reamintească publicului că acesta este un actor, poate nici măcar unul foarte bun, care se dă mare și se agită?”
Mai ales exact în momentul în care unul dintre personajele principale a părăsit scena, iar eu, cum spunea el, mai am de dus tot Actul V. Și atunci și-a dat seama că e ca și cum Shakespeare îți reînnoiește contractul cu publicul. Pentru mine, asta a fost fascinant.
Într-o repetiție, Tony a făcut ceva neașteptat: pur și simplu a ieșit din scenă, a părăsit repetiția. Actorul care juca solul cu „obraz de smântână” a intrat în scenă să aducă vestea că Birnam Wood se apropie de Dunsinane. Repetiția a înghețat. Toată lumea din sală s-a uitat la mine, ca și cum ar fi întrebat: „Tony e bine? Ce s-a întâmplat?”
Apoi, brusc, Tony s-a întors în sală și a continuat spectacolul. Dar gestul lui a făcut exact ceea ce face imaginea lui Shakespeare.
Te obliga să te gândești: Macbeth e, până la urmă, un actor care se agită și se frământă pe scenă. Și, într-un fel, tocmai asta te reconecta la piesă. Te purta mai departe, prin restul spectacolului, prin Actul V. Mi s-a părut absolut genial.
Asta fac marii actori. Sunt pur-sânge. Nu fac niciodată ceea ce te aștepți să facă.
În ultimele decenii, Festivalul Internațional Shakespeare Craiova a devenit unul dintre cele mai importante evenimente din Europa dedicate lui Shakespeare. Cum vedeți rolul unor astfel de festivaluri în promovarea dialogului cultural internațional?
Ele ne ajută să rămânem în dialog unii cu alții. Asta nu poate fi decât un lucru bun. Și ne mențin curiozitatea unii față de alții.
Iar acest dialog este esențial, pentru că, știți, există atâta diviziune în lume și atât de mulți oameni depun atâta efort pentru a alimenta această diviziune, încât sunt momente în care chiar ne facem griji. Iar Shakespeare, într-un fel… Deci, Regele s-a dus recent la Casa Albă pentru a-l întâlni pe Trump
L-am onorat pentru că îl cunosc pe Rege de mulți ani, deoarece este președintele Royal Shakespeare Company. M-a întrebat dacă există un citat anume din Shakespeare care ar putea fi util în conversația cu America.
Și i-am indicat unul din Henric al IV-lea. Aceasta se referă la războiul cu Iranul și la Strâmtoarea Hormuz etc., precum și la potențialele negocieri de pace. Și în Henric al IV-lea, cineva spune că pacea are natura unei cuceriri în care fiecare parte este supusă cu noblețe și niciuna dintre părți nu este învinsă.
Așadar, ideea de a nu considera pacea ca o înfrângere, ci ca o cucerire în care ambele părți pot fi câștigătoare prin ajungerea la o concluzie pașnică mi s-a părut expresia perfectă a ceea ce domnul Trump ar putea învăța. Nu știu dacă Regele a folosit citatul.
Dacă ar fi să le oferiți un sfat tinerilor regizori și actori care abia acum descoperă opera lui Shakespeare, care crezi că este cel mai important lucru pe care ar trebui să-l înțeleagă despre lumea lui?
Cred că tocmai asta: cât de apropiată este de lumea noastră. Și cred că există două evenimente concrete care, din câte știu, au influențat modul în care a scris, având în vedere contextul politic al epocii sale.
Unul dintre ele a fost complotul prafului de pușcă, în cadrul căruia un grup de teroriști catolici a plănuit să arunce în aer Palatul Parlamentului și pe toți lorzii, laici și clerici, precum și întreaga familie regală, cu ocazia deschiderii oficiale a Parlamentului. Nu a funcționat. Complotul a eșuat.
Dacă ar fi funcționat, însă, cu siguranță Marea Britanie nu ar mai fi fost niciodată la fel. Și tocmai de aceea cred că Turnurile Gemene din World Trade Center au fost complotul prafului de pușcă al Americii. Dar celălalt lucru care cred că l-a influențat pe Shakespeare a fost ciuma.
Și când a trebuit să închidem teatrele din cauza Covidului, mi-am dat seama că și Shakespeare a trebuit să-și închidă teatrele din cauza ciumei. Și, într-adevăr, de aceea a scris „Venus și Adonis”, pentru că nu putea pune în scenă piese de teatru. Și cred că ciuma din 1603-1604 din Londra a ucis 15% din populație.
Și dacă vă puteți imagina asta, orașul Londra avea o suprafață de doar o milă pătrată. Așadar, pe acea suprafață de o milă pătrată, cu o populație densă, 15% dintre locuitori mureau. Impactul pe care îl are asupra percepției noastre despre viitor, despre vulnerabilitatea noastră, despre fragilitatea vieții umane, trebuie să fi influențat profund viziunea lui Shakespeare asupra lumii.
Și poate, poate l-a îndepărtat de comediile și de perioada optimistă a anilor 1590, aruncându-l în abisul tragediilor de la începutul anilor 1600. Și nu reușește să iasă din această stare decât în piesele târzii din 1510, cam în acea perioadă. Și cred că… întotdeauna am presupus că complotul prafului de pușcă a fost cel care a întunecat piesele, dar cred că și ciuma a contribuit la întunecarea lor.
Și cred că și sentimentul că viața este scurtă. Și cred că, recunoscând modul în care lumea lui Shakespeare coincide cu lumea noastră din acele momente de criză politică sau activitate teroristă sau chiar pandemii, atunci cred că înțelegi că Shakespeare scria la fel cum scriitorii de astăzi se străduiesc să articuleze sau să înțeleagă și să conștientizeze aceleași probleme, presupun.
